夏日渐入尾声，纽约的秋季艺术季也随之展开。九月，佩斯画廊将在纽约呈现四场展览，涵盖绘画、雕塑与纸上作品，从材料实验、视觉感知到身体与空间之间的关系，展开多维度的艺术探索。


本季展览汇集托克瓦斯·戴森（Torkwase Dyson）、琳达·本格利斯（Lynda Benglis）与阿琳·舍切特（Arlene Shechet）三位重要艺术家，呈现她们跨越不同媒介的创作实践；同时，艾雪·利夫廷（Asher Liftin）也将在125 纽伯里带来一系列全新作品，以摄影为起点，将机械图像转化为细密的手工绘画，在清晰与解构之间探索视觉与认知的生成过程。


金属可以变得轻盈，陶土开始拥有流动的形态，水成为记忆与生态的载体，而一幅图像也可能在靠近时悄然瓦解。在季节转换之际，佩斯纽约的九月展览邀请我们放慢脚步，从材料的肌理、空间的流动，到一幅图像如何被看见，重新感受艺术与感知之间的微妙关系。

托克瓦斯·戴森：蓝中所见｜Torkwase Dyson: Seeing in Blue

2026.9.11 – 10.24｜西 25 街 540 号


Torkwase Dyson

Interbeing Blue, 2026

© Torkwase Dyson, courtesy Pace Gallery.


托克瓦斯·戴森的新作源于她作为深海潜水者的亲身经历。在海水深处，光线、距离与身体感受不断变化，这些经验成为她绘画的起点，也引导她思考人在浩瀚海洋中的位置与感知。


戴森将潜水过程中积累的触觉记忆、摄影记录、工程笔记、图示绘画与诗歌转化为绘画语言。对她而言，水不仅是自然环境，也承载着祖先知识、生态关系与全球政治，并连接她对生态、黑人地理学（Black geography）与建成环境的长期思考。


在「蓝中所见」中，她将海洋与人类建造的基础设施并置，从海平面之上的城市与建筑，到深海之下延伸的复杂系统，呈现自然、空间与人类活动彼此交织的状态。绘画由此成为重新思考身体、环境与世界关系的一种方式。

琳达·本格利斯：打结、系缚与折叠｜Lynda Benglis: KNOTTING, TYING, FOLDING

2026.9.11 – 10.24｜西 25 街 540 号


Lynda Benglis

Kutumb (five elements) (detail), 1981-1982

© Lynda Benglis / Artists Rights Society (ARS), New York


自20世纪60年代末以来，琳达·本格利斯持续通过材料与形态的实验拓展雕塑的边界。从蜂蜡、乳胶与聚氨酯泡沫，到金属、玻璃、陶瓷与纸张，她不断赋予不同材料以流动、褶皱与有机的形态，并在绘画与雕塑之间建立独特的视觉语言。


「打结、系缚与折叠」汇集本格利斯跨越五十余年的雕塑实践，呈现她如何在色彩、表面与形态之间不断转换。从1980年代以褶皱金属网为基础、经打结与扭转形成动态构造的墙面雕塑，到1985年以熔融玻璃塑造而成的独特作品，再到2010年代带有绘画性釉彩的陶瓷，以及近期的青铜与纸上作品，材料在她手中不断被拉伸、折叠与重组，呈现出流动而富有身体感的形态。


本格利斯曾将她的陶瓷创作视为“将绘画转化为空间形态”的方式。这一思路贯穿她的创作实践，也使雕塑不再只是占据空间的物体，而成为色彩、动作与感知彼此交汇的场域。展览亦将特别呈现1985年创作、鲜少展出的玻璃雕塑，以及由37件黑色陶瓷元素组成的《Elephant Necklace》（2016）。

阿琳·舍切特：她说，她说｜Arlene Shechet: She Said She Said

2026.9.11 – 10.24｜西 25 街 508 & 510 号


Arlene Shechet with Flo, 2026. Photography by Cole Wilson


阿琳·舍切特此次在佩斯纽约将带来全新的大型金属雕塑与陶瓷作品。她将铝、耐候钢 （Cor-Ten steel）置于不断生成的创作过程中，使作品在材料、形态与空间的转换之间逐渐显现。切割、折叠、焊接与拼接留下的痕迹，也成为雕塑不可分割的一部分。


展览中的“Touching Ground”系列尤其体现了舍切特对陶土的独特理解。她重新运用源自古希腊与古罗马陶器传统的 Terra Sigillata 技法，将液态黏土逐层施加并反复打磨，使表面与结构融为一体。红、黑、橙等色彩既带有古代陶器的联想，也延续了她对身体、材料与感知的探索。艺术家曾说：“陶土是一种很好的绘画材料，它与我的身体直接产生连接。”


展览同时强调作品与空间、观者之间的关系。展览将呈现艺术家设计的铝制折叠椅，延续她为展览设置座椅的长期实践，让观看成为一种可以停留、移动和重新发现作品的过程。

艾雪·利夫廷：近作｜Asher Liftin: Recent Work

2026.9.18 - 10. 31｜395 百老汇


Asher Liftin

New York Window, 2024

© Asher Liftin


在艾雪·利夫廷的画面中，图像总在清晰与解构之间变化：远观时近乎摄影般完整，走近之后，却显露出由点、线与色彩构成的细密结构。125纽伯里将呈现利夫廷个展「近作」，展出艺术家最新创作的绘画与素描。继2026年夏季参加Watermill Center驻留项目后，本次展览由佩斯创始人兼主席阿尼·格里姆彻（Arne Glimcher）策划，并由其为画廊出版物《125 Free Press》撰写展览导言。


利夫廷从自己的摄影作品出发，将经过玻璃镜片折射的机械影像拆解为青、黄、洋红与黑四种色彩，再通过手工绘制重新组织画面。这一方法回应了点彩派与分割主义的传统，也借鉴了现代彩色印刷的成像逻辑。然而，与机械复制不同，利夫廷的图像由层层叠加的丙烯墨水构成，点与线在画面上留下滴落、颤动与交错的痕迹，使作品始终保留着鲜明的人手印记。


这种从清晰到解构的观看变化，也是利夫廷作品最重要的特征之一。远观时，点与线汇聚成具有现实感的完整图像；靠近之后，图像重新显露为由色彩构成的发光网络。拥有艺术与认知科学双学位的利夫廷，将图像生成与视觉认知置于同一实践中，让绘画不仅呈现我们所看到的世界，也进一步追问：我们究竟是如何看见一个完整的世界。



佩斯画廊

Pace Gallery

1960 – now


佩斯画廊创立于1960年，它是全球最知名的当代艺术画廊，代理了众多二十至二十一世纪最为重要的艺术家及艺术家基金会，始终扮演着艺术界生力军的角色。佩斯画廊如今已步入第七个十年，将继续秉承其使命，为全球最具影响力和创造力的艺术家提供支持，并与全世界的人们共同分享这些具有时代前瞻性的艺术创作。



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