冷广敏：染料

“染色体”原本是透明的。为了看清它，我们给它“染色”，于是它显现为蓝红相连的图景。但那个图景并不是它的本来面目，而是被认识条件改写后的形象。此次冷广敏的展览主题“染料”，正是从这一悖论出发：染料让不可见变得可见，同时也让可见偏离我们预设的本真。

冷广敏并不寻找一个纯粹的、本真的形象，而是提示我们一种观看方式：没有一劳永逸的“真正自我”，只有对主体与观看的反复检索。 画面中的遮挡、切割、错位、层叠、穿插，就是这种主体结构的视觉迁移。没有一个图像可以被还原为“原初图像”，所有图像都已经是被反复处理、叠加和改写的。

冷广敏的绘画，通常将纸张糊裱在亚麻布上，以丙烯颜料绘制画面，最后以刀代笔刻画细节，重新让覆盖在颜料底下的部分纸面露出。纸张、丙烯、切割痕迹并非承载“内容”的容器，而是直接构成观看对象本身的物质条件。观者所见的从来不是某个“纯粹之物”，而是艺术家使物在媒介中被显影之后所呈现的形象。

不论是更为写实，或是更为抽象，在不断拼接与分离的过程中，冷广敏把个人情绪压到最低，让画面结构本身说话。他就像一位精准的外科医生，冷静、客观、理性，尽量避免带有个人化情绪的书写性介入。正如罗兰·巴尔特的“零度写作”，艺术家在进行着“一种纯洁的、毫不动心的写作”。然而，情感的零度并不意味着感情的缺失。恰恰相反，当感情被降温，认知反而变得更加开阔、客观和公允，他让理性来表达现实中的真实以及内心的真实。

冷广敏将各种碎片和局部拼接起来，试图获得一种总体性，但正是这种拼接行为，同时也构成了分离行为。画面在组合中不断瓦解，在瓦解中不断组合。纸的物理特性使他能够按照自己的意愿方便地裁剪，从而在碎片性与总体性之间自由行动。

与以往作品相比，这一次作为表象的外在物象被塑造得更为丰富。它如同阻隔视线的墙，而这道“墙”可以由任何介质构成，我们透过介质窥见后方的物象。展览中的杯子系列正是这一思考的起点。玻璃杯搭建起一堵“墙”，它阻碍我们的观看，却又因为透明而让人误以为没有阻碍。事实上，玻璃扭曲了观看。这是一种矛盾，也在画面中达到一种危险的平衡。